Президент Российской академии художеств З.К.Церетели и Президиум академии поздравили Е.М.Зевина с юбилеем.
В приветствии, в частности, говорится:
«Уважаемый Евгений Моисеевич!
Примите самые теплые сердечные поздравления от Президиума Российской академии художеств и от меня лично с Вашим знаменательным Юбилеем – 75-летием!
Известный московский деятель культуры, художник, выпускник Московского архитектурного техникума и Московского архитектурного института, ученик выдающегося архитектора-конструктивиста Константина Мельникова, свой путь в искусстве Вы начинали как представитель советской андеграундной культуры, художник-нонконформист, живописец, активный участник квартирных выставок.
Приверженец яркой, оригинальной школы русского изобразительного искусства начала XX века, преемник традиций конструктивизма, Вы продолжали поиски и эксперименты в соцарте, не ограничивали себя одним выбранным стилем или направлением, переосмысливая в произведениях целый спектр модернистских течений. На Ваше творчество очень повлияла дружба с композиторами-авангардистами. Музыкальные понятия: ритм, форма, обрели свое выражение в Вашей живописи, Вы плодотворно работаете над развитием внутреннего ритма картины, совершенствуете прорисовки, детализацию, усложнение колорита, многие сюжеты Ваших произведений вдохновлены музыкальными композициями.
Сегодня Вы — президент Российской академии искусств, лауреат многочисленных международных премий, обладаете широчайшим творческим диапазоном и обширным авторским портфолио, за творческие достижения Вы награждены многими профессиональными наградами.. Постоянный участник российских и зарубежных выставок, Вы пользуетесь признанием в профессиональной среде, а также вниманием широкой зрительской аудитории. Ваши работы выставляются на международных выставках в Бельгии, Финляндии, Германии, Великобритании, Израиле, Франции, США, Японии, многократно на аукционах Philips, Bonhams и Christie’s в Лондоне и находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады и других стран.
Отдаем должное Вашему большому вкладу в развитие отечественного изобразительного искусства и желаем Вам, уважаемый Евгений Моисеевич, неизменного вдохновения во всех сферах Вашей деятельности, здоровья и благополучия.
Президент Российской академии художеств, народный художник РФ З.К.Церетели».
https://www.rah.ru/events/detail.php?ID=58042
.
.
Российская Академия Искусств
сердечно поздравляет Президента Российской Академии Искусств,
Народного художника России
Евгения Зевина
с 75-летним юбилеем!
Евгений Зевин -выдающийся мастер мирового изобразительного искусства. Все творчество художника пронизано светом, иронией, огромной теплотой и чутким отношением к миру.
Музыкальность, ритмичность, эмоциональность, живописная колоратурность, выстроенность, гармоничное сочетание масштаба и интимности его живописных произведений давно снискали славу у истинных ценителей искусства живописи не только России, но и многих стран мира, где проходили и проходят выставки этого замечательного художника. Каждое новое полотно Евгения Зевина с момента написания моментально приобретает огромную любовь зрителя на долгие годы.
В этот знаменательный день Российская Академия Искусств желает Евгению Михайловичу крепкого здоровья, счастья, благополучия и дальнейших творческих успехов!
В честь юбилея Евгения Зевина Телеканал «Культура» покажет передачу
«Линия жизни. Евгений Зевин»
24 февраля в 18.35
23.02.2022
Персона недели: Евгений Зевин
ARTinvestment.RU 25 октября 2021
В произведениях Евгения Зевина продолжают жить достижения отечественной живописи и европейского модернизма первой трети ХХ века, а в центре творчества художника находятся живописно-пластические исследования формы и пространства
Евгений Моисеевич Зевин родился в Москве 23 февраля 1947 года, уже после войны, на которой в бою под Вязьмой погиб его родной дядя — талантливый живописец, художник театра, замечательный иллюстратор Лев Зевин (1903–1942), ученик Ю. Пэна, М. Шагала, К. Малевича, ученик и сотрудник Р. Фалька, один из создателей группы «13».
Евгений Зевин окончил Московский архитектурный техникум и Московский архитектурный институт, в котором защитил диплом под руководством выдающегося архитектора-конструктивиста Константина Мельникова. Однако истинным интересом Зевина всегда была именно живопись, которой он стал профессионально заниматься начиная с середины 1960-х годов. Народный художник России, заслуженный деятель искусств России, член Московского Союза художников, сегодня Евгений Зевин возглавляет Российскую академию искусств. С 1980 года его работы выставляются на международных выставках в Бельгии, Финляндии, Германии, Великобритании, Израиле, Франции, США, Японии. Произведения художника находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады и других стран.
Свой путь в искусстве Зевин начинал как представитель советской андеграундной культуры, участвуя в выставках (главным образом квартирных) неофициального советского искусства. В частности, в 1974 году его произведения вместе с работами других нонконформистов экспонировались на «выставке на открытом воздухе» в лесопарке Измайлово, первой санкционированной властями после печально известной Бульдозерной. Зевин стал органичной частью советского художественного подполья, дружеские отношения связывали его с О. Рабиным и его женой В. Кропивницкой, О. Целковым, Е. Рухиным, Ю. Жарких, Н. Эльской и другими мастерами.
Уже ранние произведения Зевина демонстрируют, насколько творческие поиски художника были далеки от академических стандартов, окрашенных эстетикой соцреализма. В его натюрмортах и пейзажах обнаруживается многогранное исследование формы и пространства в духе ранних модернистских экспериментов европейского и отечественного искусства первой трети ХХ века. Особенно заметно влияние живописного метода мастеров «Бубнового валета», в частности Р. Фалька, ставшего для многих неофициальных художников проводником в мир «чистой» живописи. Так, в ряде его работ обнаруживается выстраивание сложных формально-пространственных взаимоотношений и появляется приглушенная фальковская палитра («Улица в Переславле-Залесском», 1975; «Натюрморт с чашками», 1972).
«Улица в Переславле-Залесском». 1975, холст, масло. 50×41
Целый ряд натюрмортов Зевина имеет в названии слово «пространство», что свидетельствует о тяготении художника в целом к сезаннистскому пониманию живописи «Я всегда считаю, что картину нужно читать, как книгу. Стараюсь, чтобы зритель “услышал” её, чтобы она подействовала на него. И к каким бы направлениям или группам я в разное время не примыкал, к кому бы меня ни причисляли, целью моего творчества всегда была ЖИВОПИСЬ, ее качество. Даже в формальных поисках, соц-арте, во всем прежде всего ценно живописное достоинство картины», — рассказывает Зевин, подчеркивая свою приверженность традиционным живописным ценностям. «Евгений Зевин остро чувствует закономерности композиционных и декоративных решений, обычные, вроде бы каждодневно виденные предметы всегда подчинены строго проверенному и прочувствованному ритму в сопоставлении объема, цвета, внутреннего движения или покоя», — пишет о его работах искусствовед Н. Лапина (zevin.ru). Иногда всю плоскость холста у него может занимать формальное исследование живописного объема, выполненное в монументальном формате («Роза», 2001).
«Роза». 2001, холст, масло. 50×35
Искусствоведы не раз отмечали сходство полотен Зевина с музыкальными произведениями, поскольку им также свойственны понятия формы, ритма, эмоционального окраса. Многолетняя дружба с музыкантами и композиторами наложила отпечаток и на живописное творчество художника: многие сюжеты его произведений вдохновлены музыкальными композициями. Музыканты и музыкальные инструменты — виолончель, гитара, скрипка, саксофон — органично существуют в живописной среде полотен художника. Одна из самых известных работ Зевина — масштабный холст «Памяти Дмитрия Шостаковича» (1977), вдохновленный «Ленинградской» (№ 7) симфонией композитора.
Е.Зевин «Памяти Д.Шостаковича», 1977, холст/масло, 180х150
Есть в творчестве Зевина и работы, в которых заключен выраженный политический подтекст. «Застой» (1982), «Пугала» (1986), «Свобода» (1985), «Спасибо за воздух» (1988) — все они иронически отражают политические реалии позднесоветского времени, а их стилистика отсылает к живописи русского авангарда. В драматичных, экспрессивно окрашенных образах холста «Соловки» (1969) нашла художественное отражение атмосфера времен сталинского террора.
«Застой». 1978, холст, масло. 80×100
Художник не ограничивает себя одним выбранным стилем или направлением, в его произведениях переосмысливается целый спектр модернистских течений. К примеру, Зевин создал серию портретных образов в формате полиптиха, на которых запечатлены ключевые правители России за всю историю ХХ века — от Николая II до Бориса Ельцина, в кубистической манере, напоминающей портреты Анненкова.
Полиптих «Десять заповедей»
Своеобразное воплощение в творчестве художника нашли сюрреалистические мотивы, фантастические сюжеты его полотен простираются от аллегорических композиций из коммунального быта («Коммунальная квартира», 1974) до отвлеченных сновидческих образов-фантазий («Воспоминание о море», 1997).
«Жить в обществе и не откликаться на его запросы невозможно. Именно это и является для меня понятием актуального искусства», — говорит художник. В последние годы в его творчестве появились мотивы, понятные сегодня каждому и волнующие всех. Холст «Черный лебедь. Коронавирус» (2020) и полиптих «Страх» (2020) отражают авторский взгляд на пандемию и ее влияние на общество.
В современной отечественной живописи Зевин остается приверженцем ценностей модернизма и фигуративного искусства, полностью оправдывая таким образом свое призвание и профессию живописца.
Мария Беликова, специально для AI
https://artinvestment.ru/invest/xxicentury/20211025_zevin_artist.html
14 апреля 2017 года в
Большом зале Московской государственной консерватории им. П.И. Чайковского
при участии Российской Академии Искусств
состоялся Концерт Памяти
Народного артиста СССР
Первого Президента Российской Академии Искусств
Выдающегося пианиста
Николая Петрова
В День Рождения Николая Петрова
со сцены прозвучали Бах, Цфасман, Моцарт в исполнении
Даниила Крамера ,Александра Гиндина, Катерины Мечетиной, Валерия Гроховского, Концертного симфонического оркестра Московской консерватории, дирижер- Анатолий Левин
.
Вне времени, в пространстве
№9 (05.03.2014)
Вне времени, в пространстве…
Вот уже 20 лет существует Российская академия искусств, членами которой являются выдающиеся деятели культуры. За каждым из них стоят не просто творения, заслужившие почитание миллионов, но и сотни, тысячи учеников, целые школы и направления, формирующие культурный ландшафт России.
Народный художник России, вице-президент академии Евгений Зевин ответил на вопросы «ЛГ».
– 6 марта – 85-летие писателя Фазиля Искандера, одного из ваших соратников по Российской академии искусств.
– Да, он – академик со дня основания, так же как и Булат Окуджава, который был его близким другом. Интересно вспомнить, что когда в академии готовились какие-либо письма, если их подписывал Фазиль – то сразу же ставил свою подпись и Окуджава… У Булата Шалвовича было очень много званий, но когда он подписывал документы – всегда вычёркивал свои регалии и писал только «литератор».
– Вы являетесь членом академии также со дня её основания. Как лично вы готовитесь к юбилею?
– Я был дружен со многими деятелями культуры. В основном это люди немолодого возраста, а многих – уже нет… Поэтому возникла идея написать портреты этих замечательных людей: Б. Окуджавы, Д. Лихачёва, П. Тодоровского, Ф. Искандера и других. Я назвал этот цикл «Герои нашего времени». Всего будет около 15 картин.
Евгений Зевин. Портрет Фазиля Искандера
– Какие они, герои нашего времени?
– Это будет полиптих размером 3 х 5 м. В центре я помещу картину «Тайная вечеря» (Кремлёвская стена, сидящие фигуры, маски, метроном) – чисто авангардная символистская композиция. Портреты выполнены в кубофутуристической экспрессионной манере. Эти люди, в моём понимании, – «герои нашего времени»; они не были политиками, но они – над Кремлёвской стеной, они – герои. Они формировали и формируют всё мировоззрение нашего поколения, нашего времени…
– В чём заключается деятельность выставочного зала Российской академии искусств?
– Выставочный зал академии был открыт в 2007 году в суперсовременном здании на 3-й Фрунзенской улице. Мы сознательно назвали его Выставочным залом, а не галереей, тем самым выбрав не рыночный путь, а путь творческих исканий, профессионализма, представляя работы художников, которые являются участниками многочисленных российских и зарубежных выставок. Силой таланта и мастерства они стремятся выразить свои чувства, тревоги и надежды. Их искусство не всегда приносит высокие сиюминутные доходы, оно не приобщает к миру «современной моды и светских тусовок».
– Евгений Михайлович, а кто в вашем понимании современный галерист?
– Мне абсолютно не нравится понятие «галерист». Современные галеристы ни во что не ставят художника! Они ставят себя над ним. То же самое, что и продюсерское кино. Кто такой режиссёр сейчас? Да никто! Продюсер захочет, возьмёт другого! Галерист подаёт СЕБЯ, а художника подбирает под свою концепцию. Нравится тебе это или нет, но Художник – это творческая индивидуальность!
– Считается, что для живописца очень важно выставиться. Почему?
– У художника есть такое понятие – ему хочется «посмотреть себя на стенке». Когда делаешь всё в мастерской, вроде как у тебя всё хорошо, а когда «висишь» с другими, видны недостатки. В нашем выставочном зале я люблю делать групповые выставки. Выставка даёт возможность художнику развиваться творчески, стимулирует этот процесс. В прошлом году в Русском музее в Санкт-Петербурге у меня была большая персональная выставка. Прошёл ровно год, и я написал более 30 новых работ.
– Вы отвечаете за творческую составляющую. А кто реально помогает академии существовать?
– То, что у нас в академии есть замечательный выставочный зал, это заслуга нашего вице-президента – Натальи Борисовны Кузьминой. Нет ни одного направления в деятельности академии, в котором бы она не принимала своё активное участие и не заражала бы своей энергией. Это необыкновенно сильный и целеустремлённый человек. Несмотря на огромную загруженность (она является проректором МГИМО), Наталья Борисовна – постоянный генератор новых идей. Кроме того, академии на протяжении многих лет помогает компания «Реставрация Н», генеральным директором которой является Энвер Кузьмин, молодой, высокообразованный, интеллигентный человек, который поддерживает все наши проекты.
Беседу вела Анна ВЕРОНИНА
http://lgz.ru/article/-9-6452-05-03-2014/vne-vremeni-v-prostranstve-/
Евгений Зевин запечатлел Российскую Академию Искусств на холсте.
Народный художник России, заслуженный деятель искусств России, лауреат многочисленных международных премий Евгений Михайлович Зевин – вице-президент Российской Академии Искусств. Участник первых выставок нонконформистского искусства в Москве, начиная с 1974 года. С 1980 года его работы выставляются на международных выставках, многократно на аукционах Phillips, Bonhams и Christie’s, Phillips de Pury, а так же в Королевкой Академии Художеств в Лондоне. Произведения художника находятся в крупнейших музеях и галереях Европы, США, Израиля, Канады, России и других стран. В 2013 году прошла персональная выставка в Государственном Русском музее Санкт- Петербурга.
Евгений Михайлович, по вашим картинам сразу видно, что вы влюблены в конструктивизм.
– У меня архитектурное образование, но я никогда не занимался проектированием. Мой руководитель по диплому, выдающийся советский архитектор Константин Мельников был одним из основателей конструктивизма в России. Достаточно посмотреть на круглый дом, где он жил (особняк в Кривоколенном переулке) – это шедевр конструктивизма. Одна из деталей – шестигранные окна этого дома, спроектированные таким образом, что в любой момент, где бы не находилось солнце, оно обязательно попадает в одно из окон. Конечно, Мельников оказал на меня, молодого художника, определенное влияние. Счастье, что мне довелось познакомиться с этим удивительным человеком.
Создавая композицию, вы улавливаете и воспроизводите причинные связи между предметами и явлениями. А что важно в передаче портретных образов?
– Через портрет можно понять человека, его душу. Только что созданную серию картин к 20-ти летнему юбилею нашей Академии (это портреты Булата Окуджавы, Петра Тодоровского, Фазиля Искандера, Николая Петрова и других) я назвал «Герои нашего времени». В них я постарался передать не только внешнее сходство, но и характер этих выдающихся личностей, значение которых так важно для нашего поколения. Картины выполнены в острой экспрессионной манере. Жанр портрета это не мой профиль, но этой работой я увлекся и пошёл дальше. Создал большую композицию, в которой эти портреты являются как бы рамой. Внутри неё расположена большая картина «Тайная вечерия». Все эти люди объединены в единую композицию – они парят в центре Москвы над Кремлем и олицетворяют собой, если можно так выразиться, громадный слой культуры, на котором воспитывается мировоззрение нашего поколения.
Вы говорите, портрет – не ваш профиль. Вам интереснее работать в других жанрах?
– Пейзаж, портрет, натюрморт, – для меня всё композиция. Но мне очень захотелось написать людей из нашей Академии, запечатлеть их на холсте, каких я их знал, какие они были и есть для меня.
А живете прошлым, настоящим или будущим?
– Будущим меньше всего живу. Живу настоящим, и, к сожалению, с возрастом, прошлым…
Живописный почерк. Как он вырабатывается у художника, от чего зависит?
– У каждого художника свой творческий путь. Я прокладывал свою дорожку параллельно той художественной жизни, которая была у нас в стране. Мне не нравилось, что происходило в то время в искусстве – а тогда было засилье соцреализма. Мне всегда казалось, что соцреализм не передает социальные положения нашей жизни и необходимо это делать через какие-то другие формы творчества. Это я четко для себя сформулировал уже в молодом возрасте.
Как легче творить художнику, находясь в «своем мире» или быть приближенным к жизни?
– Я всегда живо слежу за тем, что происходит в стране, стремлюсь быть в гуще событий, интересуюсь общественной жизнью, всегда нахожусь в курсе того, что происходит в мировой политике. Всегда очень живо и остро откликаюсь на всё, что происходит. Читаю прессу, интернет, много слушаю радио в машине и в мастерской. Вот это всё рождает во мне сюжеты, которые я претворяю в живописные образы.
Часто бываете на выставках или в галереях «актуального» современного искусства?
– В связи с тем, что я много организую выставок в Выставочном зале Академии, на другие хожу мало. Я по-разному отношусь к «актуальному» искусству. Если мне интересно, тогда оно мне нравится. Есть такое понятие одноразовое искусство, т.е. сделанное на один раз, чтобы привлечь зрителей. Расскажу вам один случай. Недавно посетил выставку. Долго ходил, утомился, присел отдохнуть. Подходит ко мне один мой знакомый художник, с вопросом, почему я отдыхаю? Да устал, говорю. Картины по семь-восемь метров, очень много и смотреть утомительно. Интересно, а куда они потом все это складируют, это ж молодые люди, у них не может быть больших мастерских. И услышал от него следующий ответ, знаешь, что такое одноразовый предмет, например, презерватив? Так вот, выставка окончится, предмет искусства использован и больше не нужен! И это правда!
Но выставляться в «раскрученной» галерее, наверное, престижно?
– Я не знаю ни одной галереи, которая бы очень сильно «раскрутила» художника. Если взять художников-нонконформистов 60-70-х годов, к коим я и себя причисляю, они не выставлялись в галереях, а оказывали влияние друг на друга, дружили, общались и стали известными только благодаря своему таланту и признанию зрителей. Некоторые западные аукционы теперь иногда выставляют современных российских «актуальных» художников с подачи галеристов, а покупают эти работы эти же галеристы или их спонсоры якобы для раскрутки художника. Но это все потом становится очевидным, и в результате эта мнимая «раскрутка» проваливается.
Галерея прибыльное дело?
– Абсолютно нет, в настоящее время они все «прогорают». Вот у нас в Академии не галерейная деятельность, мы не занимаемся продажей картин. Наш Выставочный зал – это чистая любовь к искусству. Все наши выставки проходят на безвозмездной основе, и такая благотворительность, в наше тяжелое время, когда художники материально не обеспечены, необычайно важна. Художники, которые выставляются у нас, понимают, что это совершенно некоммерческое мероприятие – благотворительность.
Как вам это удается сочетать творчество и общественно-организаторскую работу в Академии?
– Общественную работу я люблю и без общения с людьми мне не интересно. Если посмотреть на мою жизнь, я всегда совмещал творческую работу с общественной. Моя деятельность в основном соприкасается с людьми творческих профессий и, к счастью, не занимает так много времени, но его мне хватает, чтобы понять эмоции и проблемы людей, с которыми я общаюсь. В нашей Академии несколько направлений деятельности: Выставочный зал, издательская работа и проведение культурных мероприятий. Все члены Академии – это выдающиеся люди искусства и культуры России, получившие звания не ниже народного артиста или лауреата государственной премии. Интересный факт, в нашей Академии больше всего народных артистов СССР…
Как известно, каждый творческий проект должен иметь «крепкий фундамент»…
– Да, ростки культуры не способны взойти лишь сами по себе. Они нуждаются в плодородной почве общественного признания, солнечной энергии востребованности и умелом любящем садоводе, бережно взращивающем таланты и оберегающем их от превратностей бытовых стихий. И таким хранителем лучших традиций и творческого наследия для Российской Академии Искусств стала её вице-президент (она также является проректором МГИМО) Наталия Борисовна Кузьмина. Большое внимание и материальную поддержку Академии оказывает компания «Реставрация Н» и её генеральный директор Энвер Васильевич Кузьмин, за что мы им очень благодарны. Наталья Борисовна – необыкновенно светлый человек, переполненный созидательной энергией, которая позволяет ей быстро принимать оптимальные решения и воплощать их в жизнь.
Отбирая работы в ваш Выставочный зал, чем вы руководствуетесь, прежде всего?
– Есть такое понятие – качество живописи. Я всегда много времени уделял живописной технике. После участия в западных выставках, я понял, нельзя небрежно так делать картины, за них тебе потом будет стыдно! Как оказалось, к сожалению, очень тяжело подобрать художников для хорошей экспозиции. В настоящее время большое количество непрофессиональных художников! Буквально, из ста художников, желающих выставится, можно отобрать пять-шесть настоящих. Это не только мое мнение. В 80-х гг., когда открылся занавес и русские художники стали выставляться на Западе, многое стало очевидным. Помню одну выставку, на которой присутствовал один известный английский искусствовед. Он тогда сказал, что живопись русских художников отличает «очень сильный нерв», но представленные работы «очень слабые по качеству живописи». Это было очень заметно в первые годы выставок наших художников за рубежом (это – во времена перестройки). И те художники, которые невероятно подняли качество живописи, они закрепились. О. Рабин, В. Немухин, О. Целков – у них очень хорошая техника и профессиональное искусство, и эти художники вошли в историю мировой живописи.
Что для вас главное в художественном творчестве?
– Движение в картине – напряжение, без этого нет произведения.
Выставка Б.А. Диодорова
В выставочном зале Российской академии искусства открылась выставка книжной графики народного художника России Бориса Диодорова. Большую часть экспозиции составили иллюстрации к сказке Сельмы Лагерлеф «Приключения Нильса». Шведская писательница задумывала эту повесть как занимательный учебник географии, и получила за нее Нобелевскую премию. Рассказывают «Новости культуры».
Над иллюстрациями к повести шведской писательницы Сельмы Лагерлеф «Путешествие Нильса» художник Борис Диодоров работал не один год. Впервые он обратился к этому произведению еще в советское время. Первое издание с его изысканными цветными офортами вышло в 1979 году. Книга тогда была удостоена высоких наград, в том числе, «Золотого яблока» биеннале иллюстрации в Братиславе. Художник выполнил десять новых иллюстраций о приключении шведского мальчика Нильса, который на гусе Мартине облетел всю Швецию.
«Меня даже «Правда» ругала, что у меня гуси не серые, а полулебеди. Это для меня не важно, для меня важен был полет и вот эта чистота северной Швеции. Потому что самое главное – чтобы красиво было», – подчеркивает народный художник России Борис Диодоров.
Долгие годы Борис Диодоров был главным художником издательства «Детская литература», проиллюстрировал более 300 детских книг, среди которых – произведения Андерсена, Аксакова, Тургенева, Толстого. Иллюстрации к «Детству», «Отрочеству», «Юности» последнего тоже представлены на выставке.
«Я очень любил всегда делать детские книги, потому что я не могу забыть своего детства. Потом у меня появились дети, внуки, сейчас студенты, и мне приятно с ними разговаривать на том языке прекрасного детства, заодно не снижая художественных задач», – признается мастер.
Сегодня Борис Диодоров не только продолжает иллюстрировать детские книги, но и обучает этому студентов Московского университета печати.
Новости культуры
http://tvkultura.ru/article/show/article_id/100026/brand_id/19725/type_id/3
Борис Диодоров родом из детства
Открытие выставки книжной графики Бориса Диодорова, Народного художника РФ, профессора кафедры иллюстрации и эстампа МГУП имени Ивана Федорова, состоялось 24 сентября в Российской Академии Искусств.
Выставка «Родом из детства» является итогом многолетней работы художника над образами и темами повести-сказки Сельмы Лагерлёф«Удивительное путешествие Нильса Хольгерссона с дикими гусями по Швеции», которая изначально задумывалась как вполне серьезный и взрослый учебник географии. На экспозиции представлены оригиналы иллюстраций Бориса Диодорова к обновленной и дополненной книге, вышедшей в петербургском издательстве «Вита Нова» в этом году (первые «Путешествия Нильса», с которыми работал Диодоров, появились в 1979 году, и собрали множество высших наград и дипломов). Специально для издания художник выполнил несколько новых работ, сохранивших стиль знаменитых иллюстраций. Лагерлёф – первая в мире женщина, получившая Нобелевскую премию по литературе. Диодоров – выдающийся детский художник мирового уровня. Эта работа привлекает внимание ценителей как литературного, так и художественного творчества.
Полюбоваться произведениями искусства собрались многочисленные коллеги, друзья и ученики мастера, а также почетные гости, среди которых: вдова первого Президента России Бориса Ельцина Наина Ельцина, вице-президент Российской Академии ИскусствНаталия Кузьмина, ректор МГУП имени Ивана Федорова Константин Антипов, аниматор и мультипликатор Гарри Бардин, российский художник-авангардист Евгений Зевин и другие.
Собравшиеся высоко оценили представленные на выставке иллюстрации мастера к повестям Л.Н. Толстого «Детство. Отрочество. Юность», созданные в 1970-е годы для издания на испанском языке и впервые выпущенные для российского читателя вместе с оригинальным текстом Толстого в этом году.
Многие из выступавших отметили огромный вклад в творчество графика его жены – поэтессы Карины Филипповой-Диодоровой. Генеральный директор издательства «Вита Нова» Алексей Захаренков не только рассказал о процессе подготовки книги о путешествиях Нильса, но и передал музею Академии коллекционный том Л.Н.Толстого. В заключение вечера издатель исполнил для всех собравшихся несколько душевных песен под гитару. В ответном слове Борис Диодоров сказал: «Всегда хочется сделать лучше. И я буду стараться».
Какому искусству место в доме
Евгений ЗЕВИН, вице-президент Российской Академии искусств, народный художник России.
Евгений Зевин
Произведения искусства радуют наш глаз не только в музеях и на выставках, но и в наших домах и дачах. Вопрос в том, что именно мы выбираем для украшения личного и рабочего пространства. Ведь, помимо всего, приобретение произведений подлинного искусства – беспроигрышное, долгосрочное и уникальное вложение. С годами они дорожают, а их владельцы растут как личности.
Каждый художник в самом широком смысле слова, работая над каким-либо произведением, мечтает о том, чтобы оно попало в музей, ведь только так он сможет остаться в истории. Но очень часто у него есть конкретный заказчик. И создает свои произведения художник для него, заказчика, который украшает произведениями искусства квартиру или дом, где он живет, офис, где он работает, усадьбу, где он принимает гостей.
Веками произведения искусства, в том числе и всемирно известные шедевры, делались по чьему-то заказу, ведь занятие живописью, скульптурой – дело дорогостоящее. Скульптура больших форм – монументы, колонны, памятники – всегда делалась по заказу города, церкви или состоятельных горожан и в античности, и в Средние века, и в эпоху Возрождения, и в нашем недавнем прошлом, конечно. Микеланджело Буонарроти, например, создавал своего «Давида» для Флоренции, «Пиету» — для надгробия французского кардинала Жана Билэра.
И, конечно, всегда существовали частные заказчики, как правило, очень состоятельные люди, которые заказывали художнику работы для украшения собственного жилища. Так, «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — это портрет жены флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, пожелавшего иметь дома изображение супруги.
Сейчас ситуация несколько изменилась: предметы искусства далеко не всегда выполняются под заказ, появился отдельный многомиллионный рынок произведений. И людей, желающих и могущих украсить свой быт скульптурами или картинами, стало больше.
Украшение личного пространства
Изобразительное искусство подразделяется на живопись, графику, скульптуру средних, малых и больших форм, а также декоративно-прикладное искусство. Если скульптура больших форм в основном размещается на открытом пространстве в общественных местах – на городских площадях, в скверах, на бульварах – то скульптура средних форм прекрасно подходит для оформления личного пространства – собственного сада или парка, квартиры, дома, виллы. Скульптура малых форм предназначена для интерьеров домов и квартир, как и графика, и живопись. Декоративно-прикладное искусство служит для украшения быта, добавляет художественную ценность повседневным вещам.
Поэтому практически все разновидности искусства могут использоваться для украшения личного пространства. В оформлении жилого интерьера будут уместны и живопись, и скульптура малых форм, и декоративно-прикладное искусство, например, резная мебель, керамика, мозаика на стенах, ковры, фарфор. В конечном итоге, любое произведение служит украшением, хотя и имеет самостоятельную художественную ценность.
Если говорить об уместности тех или иных видов искусства в жилых помещениях различного назначения, здесь сложно однозначно советовать что-то определенное. На мой взгляд, в гостиной, которая является самым «общественным» местом в доме, желательно размещать произведения искусства, которые могли бы удовлетворять вкусам не только хозяев, но и приходящих к ним гостей. Спальня – более интимное помещение, где человек может руководствоваться исключительно своими предпочтениями. Пространство кухни тяготеет скорее к декоративно-прикладному искусству. Здесь произведениями искусства могут быть и обеденный стол, и посуда, и текстиль. Главное, чтобы все было подобрано в одном стиле. Кухня – место, с которого люди начинают свое утро, где члены семьи собираются вместе за ужином. Поэтому там должно быть красиво и уютно, чтобы у людей было хорошее настроение во время приема пищи.
Выбор стилевого направления изобразительного искусства еще более индивидуален. Во многом он будет зависеть от личности человека, воспитания, опыта, приобретенного им за годы жизни, уровня образования и культуры и даже его имиджа, самоощущения. Нельзя сказать, что один стиль или направление предпочтительнее другого, искусство равнозначно. Есть и прекрасный авангард, и прекрасное классическое искусство, и так называемое актуальное искусство, которое тоже возможно.
В идеале же используемые в интерьере произведения искусства должны сочетаться со стилем здания, стилевой направленностью интерьера. Скорее всего, классическая живопись или изделия народного промысла будут странно смотреться в здании в стиле хай-тек или в интерьере в стиле минимализма.
Поэтому, если приглашаются архитектор или дизайнер, желательно, чтобы они могли порекомендовать художников или скульпторов, чьи работы гармонично впишутся в концепцию здания и помещения.
В последние годы архитекторы, проектирующие особняки, часто заранее планируют формы и виды произведения искусства для украшения конкретных помещений дома, а ландшафтные дизайнеры закладывают размещение скульптур и декоративных форм при планировке оформления участка.
Развилось целое направление живописи, специально предназначенное для украшения интерьеров. Сейчас авторы часто разграничивают коммерческую работу и творческую. Иногда видишь картины около двух метров в длину; оказывается, они написаны специально, чтобы их можно было повесить над диваном. То есть художник специально пишет коммерческие работы, заранее определяя место, где их можно повесить. Это как кино – авторское и предназначенное для массового зрителя. Так что как бы ни было заманчиво купить «готовое решение» для интерьера, нужно соблюдать осторожность. Ведь на рынке продается очень много произведений, которые делаются под не очень хороший вкус покупателя.
Поэтому, если хозяева сомневаются в своей компетентности в вопросах искусства, лучше довериться специалистам, чтобы они заранее определили местоположение и размер произведений.
Хотя зачастую люди не прибегают к помощи профессионалов и делают все на свой вкус. К сожалению, со вкусом у наших бизнесменов в основном не очень хорошо, чаще всего они не слишком образованы в области культуры. Поэтому нередко попадаются некрасивые снаружи коттеджи с некрасивой живописью внутри. Правда, бывает и наоборот. В последнее время состоятельных людей все чаще можно увидеть на выставках, они интересуются искусством, стараются в нем разобраться.
Безусловно, вкус воспитывается, и для этого нужно посещать галереи и музеи, читать, смотреть, сравнивать. Саморазвитие в этой области позволяет выбрать картины, скульптуры для своего дома, которые будут подлинными произведениями искусства или приближаться к ним. Это важно, ведь в их окружении будет проходить жизнь человека, будут расти его дети, приходящие в дом гости будут получать эстетическое удовольствие.
Как становятся коллекционерами
Если есть возможность, лучше приобрести оригинальную, творческую работу. Такие работы бывают очень глубоки по своему содержанию, и они постепенно, из года в год раскрываются перед зрителем, получают новые смыслы. Эти картины редко надоедают, но когда это в конце концов происходит, можно их подарить, убрать или перевесить.
Если не получается приобрести оригинал, при выборе репродукций люди часто стараются отдавать предпочтения известным работам, которые они видели у кого-то или в журнале. Думаю, это не совсем правильно, это указывает на отсутствие фантазии, на невозможность найти «своего» художника.
Конечно, сделать грамотный выбор непросто. Так что здесь совсем не грешно посоветоваться с экспертами, услышать три-четыре мнения, которые могут помочь принять окончательное решение.
Некоторые люди, очень любящие искусство, развешивают картины любимых художников по всем стенам до потолка (так называемая шпалерная развеска). Переходя из комнаты в комнату, они будто ходят по музейным залам.
Сейчас можно встретить удивительно хорошие скульптуры из бронзы, камня, керамики. Вероятно, потому, что скульпторы, которые раньше жили за счет выполнения больших заказов на памятники для улиц и площадей, задумались над искусством малых форм, стали ближе к человеку, переключившись на интерьерную скульптуру.
Иногда состоятельные люди, приобретая несколько предметов настоящего искусства, скажем, по рекомендации дизайнера, начинают интересоваться искусством, образовываться в этом направлении, а затем и целенаправленно, осознанно собирать коллекцию. Так приобретение произведения искусства дает толчок к развитию личности и жилища. Коллекция – это красиво и интересно, она культурно развивает самого коллекционера, членов его семьи и гостей дома.
С экономической точки зрения, приобретение подлинного искусства аналогично вложению в недвижимость с той лишь разницей, что инвестиции в недвижимость окупаются быстрее, а в искусство – медленнее. Создание художественного произведения, имеющего подлинную ценность, требует изнурительной и кропотливой работы, а потому и стоит недешево.
Небольшая скульптура, например, может быть дороже иной картины из-за высокой стоимости материала и трудоемкости. Но, как показывает практика продаж, искусство не дешевеет со временем. Это справедливо как для антиквариата, так и для современных произведений. Инвестиции в подлинное искусство – долгосрочный, интересный, познавательный проект, украшающий мир, в котором живет человек. Это и грамотное, и достойное вложение.
«Сорок бессмертных» в российской культуре.
Сергей Сиротин 16.11.2011, 17:56
Российская академия искусств.
Российская академия искусств действительно родилась вопреки духу времени. Это произошло в «лихие», как принято говорить, 1990-е годы – во времена разобщения, распада общественных и профессиональных союзов в России. Распалось нечто общее, и его нужно было снова найти… За примером художники, поэты, артисты, музыканты обратились к историческому прототипу: французской академии, учрежденной в XVII веке кардиналом Ришелье. Ее основу составляло сообщество, известное под названием «сорок бессмертных» (quarante immortels) – по количеству постоянных членов академии, составивших славу Франции.
Идея создания российской версии такого объединения принадлежала всемирно известному пианисту Николаю Петрову, к сожалению, ушедшему из жизни в августе этого года. Он стал «новым Ришелье» для «сорока бессмертных» российского искусства. О них и рассказывает новое издание, которое, по мнению художника Евгения Зевина, тоже члена Академии, предназначено, прежде всего, для истории:
«Эта книга посвящена личностям, которые ныне являются членами Академии или которые были ими. Эти люди останутся в истории российской культуры навсегда. Издание мы делали заведомо раритетным – всего 400 экземпляров. Оно не продается. Часть разошлась по крупным библиотекам. А остальное – подарки».
Внушительный фолиант в золотой обложке, изданный на русском и английском языках, кому-то, вероятно, освежит память, а кому-то, может быть, впервые скажет о том, who is who в российской культуре. Книгу можно назвать и портретом эпохи, которую творили, в частности, писатель, поэт и бард Булат Окуджава, балерина Екатерина Максимова, дирижер и джазмен Олег Лундстрем, хореограф Игорь Моисеев. А сегодня этот список продолжают имена певицы Елены Образцовой, кинорежиссера Эльдара Рязанова. О каждом из них рассказывает отнюдь не сухая энциклопедическая статья, а живое эссе. Да и на фотографиях культовые личности предстают не только в своем главном качестве – на театральной сцене, за дирижерским пультом, у объектива кинокамеры – но и в непринужденном общении, на дружеской вечеринке. Так что коллективный портрет людей, признанных достоянием России, получился совсем не парадным, а дружеским и очень живым.
Художник Олег Савостюк, например, вспоминал на презентации, как он создавал живописный портрет первого главы российских «академиков», пианиста Николая Петрова:
«Петров очень интересно позировал. Он приехал ко мне в мастерскую и выдержал всего две секунды! Больше позировать он не мог. Он поворачивался, рассказывал разные истории, о чем-то страдал, потом мы пили коньяк… Но я ухитрился все-таки дописать портрет при жизни музыканта. И последний наш разговор был об этой книге».
На обложке книги изображен стилизованный финикийский корабль. Финикийцы, как известно, были лучшими моряками своего времени. Да и российский «корабль искусств» с таким «экипажем», какой представлен под обложкой, должен чувствовать себя абсолютно уверенно.
Российская академия искусств посвятила книгу пианисту Николаю Петрову
15.11.2011, 18:11